再举例子：我认为演奏和演唱都是对语言、文字的延伸。虽然大提琴演奏西方音乐偏多，按说与印欧语系关系更密切些，但我相信语言的底层逻辑相通，各个民族表达喜笑颜开和咬牙切齿的感情，多少有共通之处。所以上课时候我会以很多诗歌、文学作品为例，给学生讲解（例如后起拍的小音符约等于故事开头的“从前”、“有一天”、“上回书说到”，不需要刻意强调，例如演奏中的模进类似于排比句等），帮助他们，让演奏更通顺、流利，而不奇怪生硬。另外，我有时会讲到左手决定了演奏中的what（演奏什么音），而右手决定了how（这个音如何呈现给观众）；这个说法并不严谨，因为其实左手也会影响how，但这样的讲解会反过来帮助学生理解这两个词汇。
我暂时没有想到，报名哪一门课外兴趣班，能够在一个科目内引导孩子学到如此多东西。
培养综合能力，全面提升心智
最简单讲，学习演奏的过程中，会遇到大量关卡、障碍，需要突破。如何发现问题、拆分问题、解决问题？如何提高效率，用比别人少的时间突破难点？这些本领，其实都可以在老师、家长的言传身教中，潜移默化地灌输给学生。我在此前【写给家长】系列的文章里经常呈现这些观点，今天就不赘述了。
演奏训练培养的另一种能力，叫少犯错误、一次做对。我的父母牢牢记得小学数学老师在我们低年级时说的一句话，到今天也经常提醒我：“考试时可以写慢一些，但要一次做对，不要寄希望于后面检查、改正的时间。”演奏者可以根据自己的能力，选择并不困难、花哨的曲目，但必须以最好的状态呈现给观众，没有第二次机会。他们要在日复一日的练习中，每次做到最好，争取将“正确遍数”甚至是“一次性正确遍数”最大化。我有时会向学员强调：“拉错而不改正，是坏习惯；每次拉错又认真改正，稍好一些，但也没好到哪去。”关键是不要出低级错误。这种品质对于无论是精英阶层，还是执行阶层，都是难得而必须的。
学习演奏，需要忍受大量的枯燥、折磨和自我怀疑。演奏弦乐器，在初期阶段对学习者的折磨尤甚。这也锻炼了演奏者“延迟索取回报”这种经常被教育学界提及的优秀品质。“台上三分钟，台下十年功”等无数民谚都佐证了这一说法。曾经有位朋友对我说，大提琴带给自己最大的收获，就是自信：我连这么难的东西都能用短短二十年的时间掌握，那么世界上没有什么是我不能靠努力学会的。
我不清楚，乐器演奏带给学习者这样多的提升，它是否够格，算得上一种素质教育了。
还有一些难以归类的其他提升。
对于有机会进入乐团，接受群体演奏训练的琴童，他们可以获得难得的社会化训练机会。他们会提前体验三对冲突：协作与竞争，服从命令与发挥个性，大规模合作与小圈子文化。这种体验对于很多人来说，是终其一生也难以遇到的。我暂时无法用精确的语言总结其中的妙处，不过相信很多有过类似经历的演奏者能够理解。
另外，演奏训练能够潜移默化培养演奏者对于美的鉴别和欣赏能力。尤其对于孩子而言，在这个高度娱乐化甚至反智化的时代，知道美丑、知道规格、知道讲究，竟然已经成了一门难得的课程。
大提琴重奏版弗雷《悲歌》
最后有几句题外话。
在我的认知系统里，有一条不甚严密的数轴，叫做“学习演奏投入程度”。这条数轴上，按照投入程度的由浅到深，依次排列着“爱好”、“特长”、“特长生”、“职业乐手”四个类别。四个类别之间，没有价值高下之分，关键是学习者本人或者琴童家长，要有清晰的自我定位。
依据我们身边人们文化生活的发展阶段，大多数人和音乐产生交互的最好方式是欣赏，多听多看，可远观而不建议上手亵玩，因为这个难度不大，收获却颇可观；有些成年人希望在经济和时间都有余裕之际学习乐器，培养爱好，这个是值得尊敬且可行的，但有些人盼望将其培养为“特长”，这就比较难了；有些家长没有想清“特长”和“特长生”之间的一字之差，后者意味着与政策挂钩，需要多很多倍的时间、金钱、精力、心情方面的投入，以及更大的不确定性；如果真的只是想给孩子培养“一技之长”，或者“成型的爱好”，就不要对升学之事跃跃欲试，又因焦虑而自乱方寸；而很多家长在让孩子尝试学习演奏的起步之时，低估了“学成一技之长”或哪怕仅仅是“培养成型爱好”所需的成本，所以他们会在几年之后会有“投入无回报”的挫折感。当然也有些学生，具备未来称为职业乐手的潜质，但家人和孩子本人对此道路并不热衷，虽然外人惋惜天赋的浪费，但这也是一种值得尊敬的选择。
这样的泼冷水，可能令人厌烦，但我觉得对于希望入此门的人，这些唠叨是负责任的。
本文中插入了斯美塔那的《我的一生》和弗雷的《悲歌》，向仙逝的音乐老师致敬。年轻一代如我们，将会继续做好与音乐相关的事。
本期作者：吴临风
器乐学习网转载，感谢吴临风老师！
